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El fracaso del discurso colonial del arte en México

¿El Estado, a través del herario, debe proveer de becas y apoyos a zapateræs, a ingenieræs, doctores, herreræs, carpinteræs, dentistas, deportistas que por una u otra razón no consigan clientes o que no logren destacar en sus disciplinas? Esto sería absurdo, entonces ¿es válido qué el Estado cargue con todo tipo de «artistas» que no destaquen por su cuenta? Hay que plantearse en qué medida el "arte" es cultura, pero los oficios, ciencias y otras actividades no lo son, y si las dádivas gubernamentales son la respuesta al fomento de la cultura.

[inicio de cita]>

La Real Academia de Bellas Artes de San Carlos (en valenciano Reial Acadèmia de Belles Arts de Sant Carles) es una institución académica cultural pública ubicada en Valencia, España. Fue creada el 14 de febrero de 1768 por el rey Carlos III. Desde su fundación impartió las enseñanzas de Pintura, Escultura y Arquitectura.

[fin de cita // referencia de cita]> Wikipedia

Carlos III, de la casa de los Borbón, implementa bajo el espíritu Ilustrado de esos tiempos, una herramienta del mundo racional como lo sería este modelo de Academia, la cual vendría a modernizar los antiguos modos de transmisión de las técnicas de las artes.

Justo en el periodo de Carlos III, debido a las ideas de la Ilustración que manejaba su familia, se declaró que las artes serviles dejaban de ser razón para discriminar a quienes las ejercían, no se integraban por completo como en la época clásica grecorromana a las artes libres, pero al menos ya no eran blanco de desprecio, como sí lo fueron durante toda la edad media, donde se diferenciaba muy estrictamente, por todos los reinos feudales de Europa, entre artes libres y artes serviles.

Para este momento la pintura, grabado y escultura, gracias a las exigencias de sus exponentes del Renacimiento, ya se habían logrado integrar en las "bellas artes", es decir, en las artes libres, al ser trabajos más bien manuales (y no de la razón) solían caer directo en la categoría medieval de artes serviles.

[pie de imagen]> Carlos III

En la Nueva España, un gran número de expertos de la pintura y la escultura solicitan a la corona española la fundación de una escuela de formación para pintores y escultores en la colonia de las américas, cosa que es ignorada, hasta que un grabador de la Casa de Moneda, llamado Jerónimo Antonio Gil, solicita la fundación de una academia para formar grabadores que puedan auxiliar y mejorar el proceso de acuñamiento de monedas, cosa que sí fue del interés de Carlos III.

Para 1781, Carlos III funda la Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes de la Nueva España (hoy México), con el propósito principal de formar grabadores en el virreinato novohispano, con intención de implementar sus habilidades en la acuñación de monedas de esta colonia española. Su primera sede fue en el edificio de la Casa de Moneda en donde se impartieron clases hasta el año de 1791.

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En 1929, cuando a la Universidad Nacional de México recibió su autonomía, la Academia se dividió en Escuela Nacional de Arquitectura, y en la Escuela Central de Artes Plásticas, y en 1933 esta última cambió de nombre a Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP).

[fin de cita // referencia de cita]> Wikipedia

Al día de hoy, la Facultad de Artes y Diseño (FAD), antes la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) es la heredera ─aunque no la única─ de siglos de impartición del mismo modelo virreinal, feudal, de las llamadas Bellas Artes.

[pie de imagen]> Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes de la Nueva España

¿Qué modelo educativo se imparte en estas instituciones modernas?

Facultades, colegios y escuelas de hoy en día, como lo son la FAD, la ENPEG (Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado por el Instituto Nacional de Bellas Artes), así como aquellas de iniciativa privada, responden directamente a un modelo no solo anticuado y totalmente desubicado ante la realidad de un territorio tercermundista como el de México, sino que también han sido ya devoradas por los discursos postmodernos del mercado del entretenimiento, alejándose casi por completo de un verdadero espíritu del arte humano.

[inicio de cita]>

Según el historiador Carlos Martínez Shaw, "las Luces (la ilustración) fueran patrimonio de una elite, de intelectuales, mientras la mayor parte de la población seguía moviéndose en un horizonte caracterizado por el atraso económico, la desigualdad social, el analfabetismo y el imperio de la religión tradicional"

[fin de cita // referencia de cita]> Wikipedia

En la España del siglo XVIII, la Ilustración avanza sobre la corona gracias a la casa de los Borbones, quienes ostentan la vanguardia en cuanto a este tipo de pensamiento en su región, a excepción de que, a diferencia de Francia, en España se gesta más bien un ideal ilustrativo alineado con la monarquía y lo eclesiástico, en un fenómeno conocido como el Despotismo Ilustrado. Es esta ilustración a la que Academias como la de San Carlos en Madrid y la de San Carlos novohispana, responden.

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En la mayoría de estados europeos, la universidad permaneció en general al margen de la renovación intelectual ilustrada, y las nuevas ideas se expandieron a través de las tertulias y de las academias, y de otros nuevos espacios de sociabilidad como las sociedades de agricultura, las sociedades económicas, los salones, las logias masónicas, los clubes o los cafés, en los que participaron no sólo la nobleza y el clero sino otros sectores sociales interesados en mejorar la condición humana y la "sociedad civil", como se llamaba entonces a la forma de gobierno, con el fin último de lograr la "felicidad pública". En España las tertulias y las academias, y posteriormente las Sociedades Económicas de Amigos del País, fueron los principales medios en la elaboración y difusión de la cultura ilustrada. A diferencia de Francia, no tuvieron tanto éxito los salones de las damas cortesanas, si exceptuamos el de María Francisca de Sales Portocarrero, condesa de Montijo, y el de la condesa de Benavente y la Junta de Damas de la Sociedad Económica Matritense de Amigos del País.

[fin de cita // referencia de cita]> Wikipedia

Como ya se relató más a detalle en artículos de esta misma revista como "¡El arte es una mentira!" o "¿Dónde empieza y dónde termina el arte?", podemos ver al arte humano mutar a lo largo de la historia.

Desde aproximadamente el 4000 antes de la era cristiana hasta aproximadamente el 300 d.C. el arte era concebido localmente, no existía un consenso universal como hoy en día, sino que cada pueblo, reino, imperio, se expresaba con sus expresiones técnicas que le dotaban de una identidad cultural propia, cosa que se conservaba tanto en lo abierto como a veces en lo oculto tras una invasión, o bien se terminaba fundiendo con las culturas conquistadas o bien las culturas conquistadoras.

[pie de imagen]> arte antiguo, la identidad cultural un puente entre la política, la cotidianidad utilitaria, la urbanística y la espiritualidad

El arte no se limitaba, como en el contexto de Carlos III, al grabado, la pintura, la escultura y la arquitectura, sino que se extendía de maneras diversas en el ámbito de lo utilitario como la alfarería, la vitralería, en el arte erótico como diría Michel Foucault, la herrería, la cocina, la guerra, la retórica, la ingeniería, la magia y adivinación, e incluso la estafa y el crimen, pues recordemos que no solo la pedagogía cambia, sino también los códigos morales han mutado por completo.

Durante la época de las ciudades medievales libres, antes de ser dominadas o insertadas en discursos imperiales por los reinos feudales que posteriormente el orden moderno de la burguesía convertiría en naciones, las artes ─en occidente─ florecieron en lo que hoy conocemos, en el seno del canon de la Historia del Arte, como Arte Románico y Gótico, el cual fue uno de los últimos exponentes de un arte anónimo en nombre de la colectividad, puesto que, a partir de la integración con el mundo de la nobleza feudal pre-nacional, lo que antes era cuestión local de prestigio y propiedad colectiva como lo eran las artes de los pueblos medievales libres, se convirtió en cuestión de gremios feudales y casas familiares en control de estos gremios, que es donde nace la imagen del artista individual.

[pie de imagen]> herrería, vitralería, carpintería, acueductos, peletería, ingeniería, puentes, albañilería (antes conocida como masonería), pintura mural, escultura: el arte anónimo-colectivo de las ciudades medievales.

El artista individual contaba con mecenazgos de la iglesia o de la nobleza, quienes le incluían en su cotidianidad como un entretenimiento o un lujo más de las élites. Esto le dotaba de una reputación, la cual debía proteger y dar renombre si deseaba mantener la hegemonía de su apellido o su afiliación a un gremio hegemónico de la región.

El traspaso de la estafeta del arte feudal hacia el mercado del entretenimiento

Parece ser pues, en un análisis incluso muy superficial, que el paso del feudalismo a la burguesía moderna no perdonó a la Institución del Arte; pasa de ser cuestión de entretenimiento del clero y la nobleza, ya en su modalidad de prestigio, fama y renombre individualista, a una cuestión de renombre de marca e intercambio (trademark) para el mundo del comercio burgués, lo cual, no extrañamente le permite mutar hacia lo que hoy conocemos como el mercado del arte, aunque mejor dicho sería: el mercado del entretenimiento.

Es así que modelo educativo que hasta hoy en día se implementa en las Escuelas de Estudios Superiores de México, en el caso de esta peculiar Institución del Arte (que ni de cerca representa el espíritu original de la actividad artística humana pre-feudal, retomada un poco por la escuela renacentista de humanistas versadæs al mismo tiempo en disciplinas tanto meramente estéticas como también funcionales como la ingeniería, la física, las matemáticas y la química), se hereda directamente de la mentalidad de la ilustración monárquica eclesiástica española del siglo XVIII.

[pie de imagen]> Da Vinci - ingeniería, escultura, arquitectura, física, matemáticas, pintura.

¿En dónde se ve el fracaso de este modelo?

Se puede ver de dos maneras:

la primera y más obvia es la cuestión de heredar un modelo de enseñanza tan limítrofe como lo es el contexto feudal de las "bellas artes" en donde una instancia de educación superior matricula a una creciente cantidad de su población en "estudios superiores" que se limitan al deleite de los sentidos, cosa muy útil para el mercado internacional del entretenimiento con su pequeño tentáculo del llamado mercado del arte, pero en directo detrimento, aunque parezca contradictorio, de la cultura tanto de los territorios como del país.

¿Por qué hago la diferenciación entre territorios y país? Porque en un país como México, conviven dos grandes realidades, sin necesariamente incluirse mutuamente en sus proyecciones a futuro, y estas son las realidades originarias (también llamadas indígenas) y las realidades alienadas con un proyecto de nación que llamamos República Mexicana.

¿Y en dónde está el conflicto? pues en que el mercado del entretenimiento (mercado del arte) excluye, explota, ordeña y desecha (algo también conocido como apropiación cultural) lo que podríamos llamar «verdadero arte cultural» de los pueblos originarios, mientras que favorece el modelo feudal virrenial de las "bellas artes" por otro lado. En algunos casos les forza a insertarse en dinámicas que no les son familiares, como el de tener que patentar "comunitariamente" sus bordados o patrones los cuales distan de ser meros deleites estéticos, pues como el arte pre-feudal de los pueblos en Egipto, Roma, Grecia, Mesopotamia, el Valle del Indo, entre muchos otros, representan una codificación de su historia, cosmovisión y tradiciones locales, y el tener que patentar este tipo de prácticas humanas como si fuesen objetos decorativos conlleva rupturas internas y confusiones culturales que estos pueblos (realmente rechazados por el discurso del proyecto nacional oficial) no tendrían por qué conocer e implementar. Es esta misma disparidad de discursos el cual lleva a nombrar cualquier expresión artística de estos pueblos como "artesanías" frente a, irónicamente, expresiones culturales como un plátano pegado con duct-tape a una mampara o una habitación de cubetas de diferentes colores que representan las diferentes regiones del distrito federal.

[pie de imagen]> la esencia del arte moderno

Como podemos ver, este primer punto se refiere a anteponer la formación "profesional" de ciudadanæs dedicadas a un mercado altamente especulativo y caprichoso como lo es el mercado del entretenimiento/arte, que no cobija a todos sus miembros, lo cual genera una tasa de sub-empleo tremenda. Se podría argumentar que existe el mercado del diseño gráfico, para læs "licenciadæs en artes" que no logren la gloria y el renombre personal, pero justamente ya existen carreras de Diseño Gráfico para esto. Y se refiere también a seguir generando una disparidad hacia las culturas originarias que terminan ya solamente siendo referencias de artista o atractivos turísticos frente a las bastante raquíticas producciones de "arte" con toda la tradición post-feudal que les posiciona como meras decoraciones de interior, y una vez más, para esto ya existe otra carrera técnica llamada "Decoración de Interiores".

Eso por la parte del atropellamiento y ahorcamiento cultural, y en segunda instancia con respecto al conflicto central, podemos hablar de lo que representa mantener viva una tradición tan retrógrada como esta institución feudal del artista, que es la razón por la cual el sistema de mecenazgos modernos ahora llamados becas o apoyos culturales siguen siendo un debate muy polémico.

¿El Estado, a través del herario, debe proveer de becas y apoyos a zapateræs que no les compren zapatos? ¿El Estado, a través herario, debe proveer de apoyos y becas a ingenieræs, doctores, herreræs, carpinteræs, dentistas, deportistas que por una u otra razón no consigan clientes o que no logren destacar en sus disciplinas? Es justamente este segundo dilema el cual fomenta una desigualdad ya no solo entre culturas como en el caso de los pueblos originarios y los pueblos alineados a las "civilización", sino incluso internamente en el mundo "civilizado", pues ¿cómo es posible que los impuestos deban escurrir hacia licenciadæs de carreras universitarias que deban depender del Estado para no morir de hambre o tener que insertarse en el sub-empleo?

Es la Institución del Arte heredada del virreinato colonial que está generando estos conflictos de coherencia y errores lógicos que cuestan muy caro no solo al herario público sino al tiempo de vida desperdiciado por la mayoría de quienes eligen optar por un "estudio superior" de artes visuales o artes plásticas.

¿Cuál podría ser una opción para re-interpretar las Artes e integrarlas en un discurso pedagógico más moderno y funcional?

Tanto para el desarrollo humano, como para el respeto (incluso me atrevería hablar de una re-educación de los valores de estos pueblos y con ello de nuestro pasado histórico que se remonta hasta los orígenes de la cultura en la prehistoria) a las comunidades originarias, como para un discurso de nación sin tanto sub-empleo y desperdicio de talentos humanos, como incluso para el mercado del entretenimiento si así se quiere ver, es necesaria una re-estructuración de la educación en cuestiones del "arte".

Primero que nada, las opciones para tomar un programa de estudios al mismo nivel que hoy presentan planteles como la FAD de la UNAM, o la ENPEG del INBA, tendrían que irse abriendo, por ejemplo haciendo uso de las diversas casas culturales casi despobladas que se encuentran en toda la Ciudad de México, por poner solo un estudio de caso como ejemplo.

En lugar de polemizar si los "apoyos y becas individuales" deben persistir, reducirse o aumentar, podría realizarse una evaluación muy profunda al respecto, para considerar qué disciplinas realmente benefician a una gran cantidad de individualidades, como por ejemplo las producciones teatrales, y mantener, si no es que aumentar la oferta de apoyos a estas disciplinas que vayan a generar un beneficio amplio y lograr así un impacto fuerte en la población, mientras que para disciplinas más individualistas como la pintura, grabado o escultura, ofrecer puestos de docencia con salarios fijos (que saldrían de la eliminación de estos apoyos/becas para artistas) lo cual potencialmente sacaría del sub-empleo a tantos licenciados del arte, no dejando desprotegidas ni a la vieja escuela que ya invirtió años en licenciaturas de artes bajo el modelo feudal, como también beneficiando a una nueva generación en donde poco a poco podría instaurarse este nuevo modelo de las artes humanas más alineado con la situación del país y de un conocimiento cultural más profundo del que podría emanar ─como hasta hoy en día se hace con grandes fracasos─ de la replicación irreflexiva de estos modelos virreinales.

Podrían desaparecer estas licenciaturas verdaderamente inútiles y perjudiciales culturalmente, para dar paso a formaciones técnicas paralelas garantizadas por el Estado como fomento a la cultura; estas instituciones, garantizadas al ancho de la población, albergarían a cualquiera que sea suficientemente hábil para enseñar estas disciplinas llamadas "bellas artes" en los mismos términos que hoy solamente la FAD y la ENPEG albergan como un duopolio que fomenta el elitismo y la escasez de oportunidades laborales de docencia en estos ámbitos.

¿Por qué una formación en pintura, grabado o escultura tendría que ser una licenciatura mientras que una formación en carpintería, electrónica y herrería solamente alcanza lo técnico? Esto genera una brecha cultural civil muy importante, una suerte de sistema castas sociales insinuadas, totalmente en detrimento del tejido social urbano. Estos espacios culturales podrían comenzar a borrar la línea entre los oficios y las artes, justamente regresando a una riqueza cultural olvidada luego del Románico y Gótico antes mencionado, abriendo una oferta educativa de bajo costo, pero de idéntica calidad (basta conocer las instalaciones, programas de estudio y la cotidianidad pedagógica de instituciones como la FAD o la ENPEG para reconocer que no se trata de un trabajo imposible el alcanzar su nivel de calidad) al duopolio actual de las "bellas artes" ya mencionado anteriormente, y que a su vez incluyan oficios afines como la ebanistería, las artes textiles, la carpintería y la herrería estética, solo por poner unos ejemplos. De esta manera, las carreras técnicas pertinentes a oficios industriales podrían encontrar especializaciones estéticas en estos centros de verdaderas artes y oficios.

De alguna manera, las personas egresadas de estos centros culturales tendrían garantizado, mucho más que las actuales instituciones pueden garantizar, plazas en la docencia de estas disciplinas, las cuales pueden irse multiplicando conforme la matriculación y demanda crezcan, a diferencia del modelo actual que puede ofrecer una raquítica oferta de plazas docentes y no garantiza en lo absoluto, al egresar con un título de artista, su insersión en un mundo laboral, que como ya mencioné, responde más a la especulación de mercado y los caprichos de las modas y la suerte, que la maestría técnica de sus licenciadæs, lo cual obviamente genera una agresiva demanda de estos "apoyos culturales" que francamente terminan desperdiciandose en proyectos altamente subjetivos, con impacto altamente dudoso e incomprobable por su naturaleza estética, y un paternalismo por parte del Estado para mantener licenciadæs de artes que no alcanzan la mieles del mercado del entretenimiento/artes.

No es difícil acondicionar espacios seguros para la impartición de disciplinas estéticas como las técnicas de pintura, escultura, serigrafía, técnicas de grabado, ilustración, foto, escultura, instalación, danza, teatro, performance, video, y sí es más difícil el resolver objetivamente si los "apoyos y becas culturales (culturales entre doble comillas)" deben reducirse, mantenerse o aumentarse y generar estrategias de evaluación de impacto y beneficio en relación al gasto público que generan, que podría ser canalizado más eficientemente para el beneficio, no individual, sino repartido para todas las comunidades que se desempeñan en estas disciplinas.

[pie de imagen]> Nezahualcoyotl, artista ingeniero

Los beneficios de eliminar esta percepción que actualmente hay, de una escasez de espacios de educación enfocada en las disciplinas estéticas, al multiplicar las sedes en donde estas mismas puedan ser replicadas, beneficia no solo a quienes pudieran llevar a cabo estas actividades tan nobles y necesarias para fomentar la sensibilidad de la población humana, sino también a quienes se dedican a fabricar los insumos necesarios para llevar a cabo estas actividades; con la existencia de una "matrícula" potencialmente infinita y rápidamente renovable, estas habilidades tanto de producción como del paso intermedio que representa la fabricación de las herramientas ─impartidas con la misma calidad que si se tratara de las "licenciaturas" actuales─ beneficiarían exponencialmente a todos los gremios incluidos en estas actividades, además de fomentar más empleos e incluso fomentar industria local de materiales que por la escasez presente solamente se encuentran en el extranjero: fabricantes de tórculos, químicos para fotografía, preparación de insumos para la serigrafía, fabricantes de bastidores, pinceles, aceites y solventes, casas de materiales, servicio técnico para todo tipo de maquinaria involucrada en estas áreas de lo estético, indumentaria de danza y teatro así como de escenografía; esto anterior solamente por mencionar unos contados ejemplos del potencial de desarrollo de tecnologías, maquinaria, servicio técnico, además de exponentes de estas disciplinas, quienes buscarían estas disciplinas como habilidades secundarias (pero no por eso menos importantes) a un desarrollo profesional en otras áreas que aportan más al desarrollo de los pueblos que enfocar todas sus potencialidades y habilidades en crear decoraciones, sin poder experimentar en carne propia la responsabilidad que otorgan otras profesiones como la albañilería, la ingeniería, la medicina, las ciencias sociales, la informática, la psicología, la química, la biología o el trabajo social, por mencionar algunos.

¿A quién le interesaría licenciarse como "artista" a secas? cuando podría desarrollarse como artista de la albañilería, artista de la medicina, artista de la psicología, o artista de la gastronomía.

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El fracaso del discurso colonial del arte en México

cultura

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julio 2, 2020 | Sección: cultura | Artículos sobre: revisiones, comparaciones, estudios y análisis de la Historia humana, temas que atañen a las relaciones culturales que atraviesan tanto a nuestro imaginario colectivo como a la práctica cotidiana,

¿El Estado, a través del herario, debe proveer de becas y apoyos a zapateræs, a ingenieræs, doctores, herreræs, carpinteræs, dentistas, deportistas que por una u otra razón no consigan clientes o que no logren destacar en sus disciplinas? Esto sería absurdo, entonces ¿es válido qué el Estado cargue con todo tipo de «artistas» que no destaquen por su cuenta? Hay que plantearse en qué medida el “arte” es cultura, pero los oficios, ciencias y otras actividades no lo son, y si las dádivas gubernamentales son la respuesta al fomento de la cultura.

La Real Academia de Bellas Artes de San Carlos (en valenciano Reial Acadèmia de Belles Arts de Sant Carles) es una institución académica cultural pública ubicada en Valencia, España. Fue creada el 14 de febrero de 1768 por el rey Carlos III. Desde su fundación impartió las enseñanzas de Pintura, Escultura y Arquitectura.

Wikipedia

Carlos III, de la casa de los Borbón, implementa bajo el espíritu Ilustrado de esos tiempos, una herramienta del mundo racional como lo sería este modelo de Academia, la cual vendría a modernizar los antiguos modos de transmisión de las técnicas de las artes.

Justo en el periodo de Carlos III, debido a las ideas de la Ilustración que manejaba su familia, se declaró que las artes serviles dejaban de ser razón para discriminar a quienes las ejercían, no se integraban por completo como en la época clásica grecorromana a las artes libres, pero al menos ya no eran blanco de desprecio, como sí lo fueron durante toda la edad media, donde se diferenciaba muy estrictamente, por todos los reinos feudales de Europa, entre artes libres y artes serviles.

Para este momento la pintura, grabado y escultura, gracias a las exigencias de sus exponentes del Renacimiento, ya se habían logrado integrar en las “bellas artes”, es decir, en las artes libres, al ser trabajos más bien manuales (y no de la razón) solían caer directo en la categoría medieval de artes serviles.


Carlos III

En la Nueva España, un gran número de expertos de la pintura y la escultura solicitan a la corona española la fundación de una escuela de formación para pintores y escultores en la colonia de las américas, cosa que es ignorada, hasta que un grabador de la Casa de Moneda, llamado Jerónimo Antonio Gil, solicita la fundación de una academia para formar grabadores que puedan auxiliar y mejorar el proceso de acuñamiento de monedas, cosa que sí fue del interés de Carlos III.

Para 1781, Carlos III funda la Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes de la Nueva España (hoy México), con el propósito principal de formar grabadores en el virreinato novohispano, con intención de implementar sus habilidades en la acuñación de monedas de esta colonia española. Su primera sede fue en el edificio de la Casa de Moneda en donde se impartieron clases hasta el año de 1791.

En 1929, cuando a la Universidad Nacional de México recibió su autonomía, la Academia se dividió en Escuela Nacional de Arquitectura, y en la Escuela Central de Artes Plásticas, y en 1933 esta última cambió de nombre a Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP).

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Al día de hoy, la Facultad de Artes y Diseño (FAD), antes la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) es la heredera ─aunque no la única─ de siglos de impartición del mismo modelo virreinal, feudal, de las llamadas Bellas Artes.

Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes de la Nueva España

¿Qué modelo educativo se imparte en estas instituciones modernas?

Facultades, colegios y escuelas de hoy en día, como lo son la FAD, la ENPEG (Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado por el Instituto Nacional de Bellas Artes), así como aquellas de iniciativa privada, responden directamente a un modelo no solo anticuado y totalmente desubicado ante la realidad de un territorio tercermundista como el de México, sino que también han sido ya devoradas por los discursos postmodernos del mercado del entretenimiento, alejándose casi por completo de un verdadero espíritu del arte humano.

Según el historiador Carlos Martínez Shaw, “las Luces (la ilustración) fueran patrimonio de una elite, de intelectuales, mientras la mayor parte de la población seguía moviéndose en un horizonte caracterizado por el atraso económico, la desigualdad social, el analfabetismo y el imperio de la religión tradicional”

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En la España del siglo XVIII, la Ilustración avanza sobre la corona gracias a la casa de los Borbones, quienes ostentan la vanguardia en cuanto a este tipo de pensamiento en su región, a excepción de que, a diferencia de Francia, en España se gesta más bien un ideal ilustrativo alineado con la monarquía y lo eclesiástico, en un fenómeno conocido como el Despotismo Ilustrado. Es esta ilustración a la que Academias como la de San Carlos en Madrid y la de San Carlos novohispana, responden.

En la mayoría de estados europeos, la universidad permaneció en general al margen de la renovación intelectual ilustrada, y las nuevas ideas se expandieron a través de las tertulias y de las academias, y de otros nuevos espacios de sociabilidad como las sociedades de agricultura, las sociedades económicas, los salones, las logias masónicas, los clubes o los cafés, en los que participaron no sólo la nobleza y el clero sino otros sectores sociales interesados en mejorar la condición humana y la “sociedad civil”, como se llamaba entonces a la forma de gobierno, con el fin último de lograr la “felicidad pública”. En España las tertulias y las academias, y posteriormente las Sociedades Económicas de Amigos del País, fueron los principales medios en la elaboración y difusión de la cultura ilustrada. A diferencia de Francia, no tuvieron tanto éxito los salones de las damas cortesanas, si exceptuamos el de María Francisca de Sales Portocarrero, condesa de Montijo, y el de la condesa de Benavente y la Junta de Damas de la Sociedad Económica Matritense de Amigos del País.

Wikipedia

Como ya se relató más a detalle en artículos de esta misma revista como “¡El arte es una mentira!” o “¿Dónde empieza y dónde termina el arte?”, podemos ver al arte humano mutar a lo largo de la historia.

Desde aproximadamente el 4000 antes de la era cristiana hasta aproximadamente el 300 d.C. el arte era concebido localmente, no existía un consenso universal como hoy en día, sino que cada pueblo, reino, imperio, se expresaba con sus expresiones técnicas que le dotaban de una identidad cultural propia, cosa que se conservaba tanto en lo abierto como a veces en lo oculto tras una invasión, o bien se terminaba fundiendo con las culturas conquistadas o bien las culturas conquistadoras.

arte antiguo, la identidad cultural un puente entre la política, la cotidianidad utilitaria, la urbanística y la espiritualidad

El arte no se limitaba, como en el contexto de Carlos III, al grabado, la pintura, la escultura y la arquitectura, sino que se extendía de maneras diversas en el ámbito de lo utilitario como la alfarería, la vitralería, en el arte erótico como diría Michel Foucault, la herrería, la cocina, la guerra, la retórica, la ingeniería, la magia y adivinación, e incluso la estafa y el crimen, pues recordemos que no solo la pedagogía cambia, sino también los códigos morales han mutado por completo.

Durante la época de las ciudades medievales libres, antes de ser dominadas o insertadas en discursos imperiales por los reinos feudales que posteriormente el orden moderno de la burguesía convertiría en naciones, las artes ─en occidente─ florecieron en lo que hoy conocemos, en el seno del canon de la Historia del Arte, como Arte Románico y Gótico, el cual fue uno de los últimos exponentes de un arte anónimo en nombre de la colectividad, puesto que, a partir de la integración con el mundo de la nobleza feudal pre-nacional, lo que antes era cuestión local de prestigio y propiedad colectiva como lo eran las artes de los pueblos medievales libres, se convirtió en cuestión de gremios feudales y casas familiares en control de estos gremios, que es donde nace la imagen del artista individual.

herrería, vitralería, carpintería, acueductos, peletería, ingeniería, puentes, albañilería (antes conocida como masonería), pintura mural, escultura: el arte anónimo-colectivo de las ciudades medievales.

El artista individual contaba con mecenazgos de la iglesia o de la nobleza, quienes le incluían en su cotidianidad como un entretenimiento o un lujo más de las élites. Esto le dotaba de una reputación, la cual debía proteger y dar renombre si deseaba mantener la hegemonía de su apellido o su afiliación a un gremio hegemónico de la región.

El traspaso de la estafeta del arte feudal hacia el mercado del entretenimiento

Parece ser pues, en un análisis incluso muy superficial, que el paso del feudalismo a la burguesía moderna no perdonó a la Institución del Arte; pasa de ser cuestión de entretenimiento del clero y la nobleza, ya en su modalidad de prestigio, fama y renombre individualista, a una cuestión de renombre de marca e intercambio (trademark) para el mundo del comercio burgués, lo cual, no extrañamente le permite mutar hacia lo que hoy conocemos como el mercado del arte, aunque mejor dicho sería: el mercado del entretenimiento.

Es así que modelo educativo que hasta hoy en día se implementa en las Escuelas de Estudios Superiores de México, en el caso de esta peculiar Institución del Arte (que ni de cerca representa el espíritu original de la actividad artística humana pre-feudal, retomada un poco por la escuela renacentista de humanistas versadæs al mismo tiempo en disciplinas tanto meramente estéticas como también funcionales como la ingeniería, la física, las matemáticas y la química), se hereda directamente de la mentalidad de la ilustración monárquica eclesiástica española del siglo XVIII.

Da Vinci – ingeniería, escultura, arquitectura, física, matemáticas, pintura.

¿En dónde se ve el fracaso de este modelo?

Se puede ver de dos maneras:

la primera y más obvia es la cuestión de heredar un modelo de enseñanza tan limítrofe como lo es el contexto feudal de las “bellas artes” en donde una instancia de educación superior matricula a una creciente cantidad de su población en “estudios superiores” que se limitan al deleite de los sentidos, cosa muy útil para el mercado internacional del entretenimiento con su pequeño tentáculo del llamado mercado del arte, pero en directo detrimento, aunque parezca contradictorio, de la cultura tanto de los territorios como del país.

¿Por qué hago la diferenciación entre territorios y país? Porque en un país como México, conviven dos grandes realidades, sin necesariamente incluirse mutuamente en sus proyecciones a futuro, y estas son las realidades originarias (también llamadas indígenas) y las realidades alienadas con un proyecto de nación que llamamos República Mexicana.

¿Y en dónde está el conflicto? pues en que el mercado del entretenimiento (mercado del arte) excluye, explota, ordeña y desecha (algo también conocido como apropiación cultural) lo que podríamos llamar «verdadero arte cultural» de los pueblos originarios, mientras que favorece el modelo feudal virrenial de las “bellas artes” por otro lado. En algunos casos les forza a insertarse en dinámicas que no les son familiares, como el de tener que patentar “comunitariamente” sus bordados o patrones los cuales distan de ser meros deleites estéticos, pues como el arte pre-feudal de los pueblos en Egipto, Roma, Grecia, Mesopotamia, el Valle del Indo, entre muchos otros, representan una codificación de su historia, cosmovisión y tradiciones locales, y el tener que patentar este tipo de prácticas humanas como si fuesen objetos decorativos conlleva rupturas internas y confusiones culturales que estos pueblos (realmente rechazados por el discurso del proyecto nacional oficial) no tendrían por qué conocer e implementar. Es esta misma disparidad de discursos el cual lleva a nombrar cualquier expresión artística de estos pueblos como “artesanías” frente a, irónicamente, expresiones culturales como un plátano pegado con duct-tape a una mampara o una habitación de cubetas de diferentes colores que representan las diferentes regiones del distrito federal.

la esencia del arte moderno

Como podemos ver, este primer punto se refiere a anteponer la formación “profesional” de ciudadanæs dedicadas a un mercado altamente especulativo y caprichoso como lo es el mercado del entretenimiento/arte, que no cobija a todos sus miembros, lo cual genera una tasa de sub-empleo tremenda. Se podría argumentar que existe el mercado del diseño gráfico, para læs “licenciadæs en artes” que no logren la gloria y el renombre personal, pero justamente ya existen carreras de Diseño Gráfico para esto. Y se refiere también a seguir generando una disparidad hacia las culturas originarias que terminan ya solamente siendo referencias de artista o atractivos turísticos frente a las bastante raquíticas producciones de “arte” con toda la tradición post-feudal que les posiciona como meras decoraciones de interior, y una vez más, para esto ya existe otra carrera técnica llamada “Decoración de Interiores”.

Eso por la parte del atropellamiento y ahorcamiento cultural, y en segunda instancia con respecto al conflicto central, podemos hablar de lo que representa mantener viva una tradición tan retrógrada como esta institución feudal del artista, que es la razón por la cual el sistema de mecenazgos modernos ahora llamados becas o apoyos culturales siguen siendo un debate muy polémico.

¿El Estado, a través del herario, debe proveer de becas y apoyos a zapateræs que no les compren zapatos? ¿El Estado, a través herario, debe proveer de apoyos y becas a ingenieræs, doctores, herreræs, carpinteræs, dentistas, deportistas que por una u otra razón no consigan clientes o que no logren destacar en sus disciplinas? Es justamente este segundo dilema el cual fomenta una desigualdad ya no solo entre culturas como en el caso de los pueblos originarios y los pueblos alineados a las “civilización”, sino incluso internamente en el mundo “civilizado”, pues ¿cómo es posible que los impuestos deban escurrir hacia licenciadæs de carreras universitarias que deban depender del Estado para no morir de hambre o tener que insertarse en el sub-empleo?

Es la Institución del Arte heredada del virreinato colonial que está generando estos conflictos de coherencia y errores lógicos que cuestan muy caro no solo al herario público sino al tiempo de vida desperdiciado por la mayoría de quienes eligen optar por un “estudio superior” de artes visuales o artes plásticas.

¿Cuál podría ser una opción para re-interpretar las Artes e integrarlas en un discurso pedagógico más moderno y funcional?

Tanto para el desarrollo humano, como para el respeto (incluso me atrevería hablar de una re-educación de los valores de estos pueblos y con ello de nuestro pasado histórico que se remonta hasta los orígenes de la cultura en la prehistoria) a las comunidades originarias, como para un discurso de nación sin tanto sub-empleo y desperdicio de talentos humanos, como incluso para el mercado del entretenimiento si así se quiere ver, es necesaria una re-estructuración de la educación en cuestiones del “arte”.

Primero que nada, las opciones para tomar un programa de estudios al mismo nivel que hoy presentan planteles como la FAD de la UNAM, o la ENPEG del INBA, tendrían que irse abriendo, por ejemplo haciendo uso de las diversas casas culturales casi despobladas que se encuentran en toda la Ciudad de México, por poner solo un estudio de caso como ejemplo.

En lugar de polemizar si los “apoyos y becas individuales” deben persistir, reducirse o aumentar, podría realizarse una evaluación muy profunda al respecto, para considerar qué disciplinas realmente benefician a una gran cantidad de individualidades, como por ejemplo las producciones teatrales, y mantener, si no es que aumentar la oferta de apoyos a estas disciplinas que vayan a generar un beneficio amplio y lograr así un impacto fuerte en la población, mientras que para disciplinas más individualistas como la pintura, grabado o escultura, ofrecer puestos de docencia con salarios fijos (que saldrían de la eliminación de estos apoyos/becas para artistas) lo cual potencialmente sacaría del sub-empleo a tantos licenciados del arte, no dejando desprotegidas ni a la vieja escuela que ya invirtió años en licenciaturas de artes bajo el modelo feudal, como también beneficiando a una nueva generación en donde poco a poco podría instaurarse este nuevo modelo de las artes humanas más alineado con la situación del país y de un conocimiento cultural más profundo del que podría emanar ─como hasta hoy en día se hace con grandes fracasos─ de la replicación irreflexiva de estos modelos virreinales.

Podrían desaparecer estas licenciaturas verdaderamente inútiles y perjudiciales culturalmente, para dar paso a formaciones técnicas paralelas garantizadas por el Estado como fomento a la cultura; estas instituciones, garantizadas al ancho de la población, albergarían a cualquiera que sea suficientemente hábil para enseñar estas disciplinas llamadas “bellas artes” en los mismos términos que hoy solamente la FAD y la ENPEG albergan como un duopolio que fomenta el elitismo y la escasez de oportunidades laborales de docencia en estos ámbitos.

¿Por qué una formación en pintura, grabado o escultura tendría que ser una licenciatura mientras que una formación en carpintería, electrónica y herrería solamente alcanza lo técnico? Esto genera una brecha cultural civil muy importante, una suerte de sistema castas sociales insinuadas, totalmente en detrimento del tejido social urbano. Estos espacios culturales podrían comenzar a borrar la línea entre los oficios y las artes, justamente regresando a una riqueza cultural olvidada luego del Románico y Gótico antes mencionado, abriendo una oferta educativa de bajo costo, pero de idéntica calidad (basta conocer las instalaciones, programas de estudio y la cotidianidad pedagógica de instituciones como la FAD o la ENPEG para reconocer que no se trata de un trabajo imposible el alcanzar su nivel de calidad) al duopolio actual de las “bellas artes” ya mencionado anteriormente, y que a su vez incluyan oficios afines como la ebanistería, las artes textiles, la carpintería y la herrería estética, solo por poner unos ejemplos. De esta manera, las carreras técnicas pertinentes a oficios industriales podrían encontrar especializaciones estéticas en estos centros de verdaderas artes y oficios.

De alguna manera, las personas egresadas de estos centros culturales tendrían garantizado, mucho más que las actuales instituciones pueden garantizar, plazas en la docencia de estas disciplinas, las cuales pueden irse multiplicando conforme la matriculación y demanda crezcan, a diferencia del modelo actual que puede ofrecer una raquítica oferta de plazas docentes y no garantiza en lo absoluto, al egresar con un título de artista, su insersión en un mundo laboral, que como ya mencioné, responde más a la especulación de mercado y los caprichos de las modas y la suerte, que la maestría técnica de sus licenciadæs, lo cual obviamente genera una agresiva demanda de estos “apoyos culturales” que francamente terminan desperdiciandose en proyectos altamente subjetivos, con impacto altamente dudoso e incomprobable por su naturaleza estética, y un paternalismo por parte del Estado para mantener licenciadæs de artes que no alcanzan la mieles del mercado del entretenimiento/artes.

No es difícil acondicionar espacios seguros para la impartición de disciplinas estéticas como las técnicas de pintura, escultura, serigrafía, técnicas de grabado, ilustración, foto, escultura, instalación, danza, teatro, performance, video, y sí es más difícil el resolver objetivamente si los “apoyos y becas culturales (culturales entre doble comillas)” deben reducirse, mantenerse o aumentarse y generar estrategias de evaluación de impacto y beneficio en relación al gasto público que generan, que podría ser canalizado más eficientemente para el beneficio, no individual, sino repartido para todas las comunidades que se desempeñan en estas disciplinas.

Nezahualcoyotl, artista ingeniero

Los beneficios de eliminar esta percepción que actualmente hay, de una escasez de espacios de educación enfocada en las disciplinas estéticas, al multiplicar las sedes en donde estas mismas puedan ser replicadas, beneficia no solo a quienes pudieran llevar a cabo estas actividades tan nobles y necesarias para fomentar la sensibilidad de la población humana, sino también a quienes se dedican a fabricar los insumos necesarios para llevar a cabo estas actividades; con la existencia de una “matrícula” potencialmente infinita y rápidamente renovable, estas habilidades tanto de producción como del paso intermedio que representa la fabricación de las herramientas ─impartidas con la misma calidad que si se tratara de las “licenciaturas” actuales─ beneficiarían exponencialmente a todos los gremios incluidos en estas actividades, además de fomentar más empleos e incluso fomentar industria local de materiales que por la escasez presente solamente se encuentran en el extranjero: fabricantes de tórculos, químicos para fotografía, preparación de insumos para la serigrafía, fabricantes de bastidores, pinceles, aceites y solventes, casas de materiales, servicio técnico para todo tipo de maquinaria involucrada en estas áreas de lo estético, indumentaria de danza y teatro así como de escenografía; esto anterior solamente por mencionar unos contados ejemplos del potencial de desarrollo de tecnologías, maquinaria, servicio técnico, además de exponentes de estas disciplinas, quienes buscarían estas disciplinas como habilidades secundarias (pero no por eso menos importantes) a un desarrollo profesional en otras áreas que aportan más al desarrollo de los pueblos que enfocar todas sus potencialidades y habilidades en crear decoraciones, sin poder experimentar en carne propia la responsabilidad que otorgan otras profesiones como la albañilería, la ingeniería, la medicina, las ciencias sociales, la informática, la psicología, la química, la biología o el trabajo social, por mencionar algunos.

¿A quién le interesaría licenciarse como “artista” a secas? cuando podría desarrollarse como artista de la albañilería, artista de la medicina, artista de la psicología, o artista de la gastronomía.

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